No siempre las historias de vida comienzan y terminan en un mismo lugar. Esta es la excepción que marcó a Serafín Benz quien es descendiente directo de Alemanes del Volga; nació en Juan José Castelli, en una colonia rural conocida como “Pampa Argentina” en la provincia del Chaco; vivió en Buenos Aires y ahora volvió a su hogar en el portal de El Impenetrable. 

Siendo niño junto a sus padres cultivaba la tierra con el algodón, conocido por la mayoría como el “oro blanco”. En su adolescencia decidió buscar nuevos desafíos en Buenos Aires y allí inició el comercio de muebles. Las ventas fueron creciendo al punto que abrió varias mueblerías en su Chaco natal. 

Con 70 años cumplidos decidió dejar de trabajar brindando aquellas responsabilidades a sus hijos para dedicarse a la exploración del monte y otros lugares inhóspitos para luego escribir su libro “Travesía al infierno y al paraíso”.  

Créditos: El Impenetrable TV

El encuentro con Serafín fue en las ruinas de la casa donde creció, cargada de recuerdos. Hoy tiene 70 años y una historia para compartir. “Mi mamá era Catalina Gros y mi papá Luis Benz. La partera de antaño de Castelli, Elena Gros, le atendió el parto a mi mamá. Y bueno, acá me crié en el Lote 133, paraje ‘La Argentina’, a 10 kilómetros de Castelli. Acá está la ruina todavía de lo que fue la casa antigua”, cuenta.

-¿Y ahora viene como a reflotar un poco todo esto?  

-Claro, ahora me hice una piecita por ahí, para que esto no quede en el olvido del todo. 

–¿Y con la familia? ¿Cómo viene?   

-Tengo 11. Hay uno que le gusta mucho el campo, pero los otros no tanto ya.  

–¿Son distintas gestiones o una misma gestión?  

-No. Tres gestiones distintas. Acá estaba mi lugar en el que me crié. Y antiguamente, se ve de este lado, teníamos una casa que era con techo de barro todavía. Pared de barro y techo de barro. 

–¿Acá era toda una algodonera? 

-Sí, siempre se sembró algodón acá. Era lo único que se sembraba. Prácticamente, era algodón y alguna vaca; eso era todo.

-Serafín, ¿de qué origen es su apellido?  

-Benz. Es alemán. Mis cuatro abuelos vinieron de Alemania. Llegaron a La Pampa y fue el padre Juan Holzer que los trajo para Castelli. Por eso, si ustedes miran el historial de los que llegaron, los primeros pobladores, existe Juan Benz que fue mi abuelo. 

-¿Alcanzó a andar en tren o no?  

-Sí, me fui a Buenos Aires en tren desde Castelli. En tren hasta Sáenz Peña, luego trasbordo a Buenos Aires. Con Horacio Senger en una oportunidad viajamos 48 horas sentados en asientos de madera. Se llenaba de tierra, no se veía nada adentro, no sé en qué zona andaba. Claro, son 1.200 kilómetros casi. 

-¿Y qué se conocía, por ejemplo, de Castelli para el fondo, para El Impenetrable? Porque era todo como un desierto, decían. 

-No, había gente, muy pocas familias. Yo prácticamente no sabía nada, salvo con algunos cosecheros que llegaban de la zona, que venían. He hablado con cosecheros que les preguntaba “¿cómo ustedes venían?” y respondían “caminando”. “Caminando por los caminos, nosotros teníamos nuestras picadas”, contaban. Ellos ya tenían su lugar, nosotros veníamos mariscando, ya sabíamos dónde había agua, más o menos, y así venían a cosechar las primeras cosas. 

-A Usted que tiene arraigo con El Impenetrable, también parece que le gusta El monte. Y, ahora, se puso a escribir un libro para volcar todo su recorrido.  

-Lo que pasa es que de chiquito me gustó. Nosotros acá teníamos El Salado, el más cerca, que quedaba a 12 kilómetros más o menos. Cuando se podía ir, a veces caminando, en carro, en caballo, a pescar, llevar harina para hacer alguna torta… ¡Ese era nuestro día! A mí me gustaba andar por el monte, hacer trampas, ondear y esas cosas. Y ahí en el libro yo describo que mi primera actividad que me rentó algún dinero fue fabricar balines de barro y venderle a la gente a la vuelta. Claro, todo el mundo tenía gomera, muy poco son los que tenían un arma de fuego en ese entonces. 

Era changuito, ocho, nueve años. Me acuerdo que fue mi primera entrada de dinero, y lo usaba para ir al pueblo a comer una galletita y tomar una gaseosa, algo de eso.

Créditos: Radio La Fan

-¿Cómo tomó la decisión de hacer la travesía por El Impenetrable? 

-Cuando apareció el programa de Supervivencia al desnudo, me llamó la atención. “Si ellos lo pueden hacer sin nada, ¿por qué yo no lo puedo hacer sin nada?”, pensé. Entonces, empecé a venir sin nada. Solo la escopeta. 

-¿Ya se había creado el Parque Nacional “El Impenetrable”? 

-Poco antes del Parque, no me acuerdo muy bien de eso. Y con la gomera y un anzuelito y la chuza por ahí para chuzear un sábalo o algo, así me largaba y veía que me arreglaba. Entonces, año a año lo fui haciendo más al extremo hasta llegar al último sin nada. Inclusive una travesía hice un trecho caminando. 

-¿Qué se puede pescar en esos ríos del norte? 

-No sé por qué, estaba lleno de pacú el río. Y hay años que no sale nada. Por eso en el libro escribo que es muy generoso, pero también por ahí es muy mezquino. 

-¿Cómo fue su experiencia como comerciante? 

-A los 21 años me fui a Buenos Aires para trabajar allá de lo que fuera. Vi que estaba de moda vender muebles y me enfoqué en ello. Inicié con varios locales en la Provincia de Buenos Aires para luego trasladar la empresa a Juan José Castelli. Me fue muy bien en ese rubro, ahora están a cargo mis hijos. 

–El libro de su visita a El Impenetrable ¿cómo surgió? 

–Escribir mis experiencias de la recorrida por el monte espeso, los ríos con sus misterios y fundamentalmente la manera de manejarnos en un lugar con tantas complicaciones, es un servicio para todos aquellos que quieran visitar la región Norte de nuestro país.

-¿Y qué pudo ver cuando iba recorriendo? ¿Vio algún tigre, chancho? 

-El tigre, verlo en vivo y en directo, no lo pude ver nunca. Pero, pumas sí. Tuve dos encuentros cercanos con pumas y después los vi así de pasada o que me veían que yo venía y se iban. Alcancé a verlo varias veces. 

Chanchos, miles. Siempre, muchos chanchos majanes, no tanto el morito. Hay gente que no quiere creer y decir que estoy mintiendo, pero yo he encontrado tropas hasta de 300. 

-¿300 chanchos?  

-Por lo menos 300 chanchos. Estoy seguro que no deben ser de la misma tropa, sino que se encuentran ahí porque en esos años de mucha sequía no hay charcos de agua, nada; y todos se arriman al río hasta que venga la lluvia y se vuelvan a su lugar otra vez. 

-¿Realizaría nuevamente una travesía de estas características? 

-Claro que sí, ya la estoy organizando para que dure más de 60 días en pleno monte chaqueño. 

Serafín Benz con el corazón puesto en sus raíces recorriendo su lugar natal. Lleno de recuerdos, con sueños por cumplir y que seguramente podrá darse la oportunidad para reflejarla en un nuevo reporte.

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*Estudiante de la carrera de Periodismo y Producción de contenidos a distancia.

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Su trabajo, cargado de símbolos inquietantes y figuras metamórficas, invita a los espectadores a mirar más allá de lo evidente, a confrontar lo roto, lo monstruoso y lo no dicho. A través de materiales reciclados y una estética cruda, su arte no busca la comodidad, sino la reflexión y la incomodidad, creando un espacio donde lo imposible se convierte en posible y lo visible se descompone.

“Creo que lo monstruoso, lo que no encaja, dice mucho más de nosotros que cualquier forma idealizada”, cuenta Natacha Avellaneda, artista plástica tucumana y radicada en la provincia de La Rioja desde hace varios años; al mismo tiempo que agrega: “No creo que el arte deba ser simplemente bonito o fácil de digerir”.

Su camino de transformación personal y creativa la ha llevado a alejarse de la docencia pública para sumergirse por completo en el arte, una disciplina que para ella es tanto un acto de liberación como de resistencia. Su obra desafía constantemente los límites entre la pintura, la escultura y la instalación. 

-Tus obras invitan a mirar más allá de lo evidente, incluso en lo inquietante o lo roto. ¿Hay una intención de incomodar o de abrir preguntas en quien observa?

-Claro que hay una intención de incomodar. No creo que el arte deba ser simplemente bonito o fácil de digerir. Mi trabajo está lleno de rupturas porque creo que es ahí, en lo roto, donde se esconden las verdades que muchas veces preferimos no ver. Lo inquietante, lo perturbador, lo que nos hace dudar, es lo que nos empuja a cuestionar lo que nos han enseñado a aceptar como normal. Yo no busco que el espectador se quede cómodo frente a mis obras; busco que se incomode, que se haga preguntas, que sienta algo. 

Si al final del recorrido alguien no siente una tensión, entonces siento que no cumplí con mi propósito. El arte no es un espejo para que nos veamos bonitos; es una ventana para mirar todo lo que no nos atrevemos a confrontar.

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-En varias de tus piezas aparece un ojo adicional y figuras humanas con elementos metamórficos. ¿Qué significado tienen para vos esos símbolos?

-El ojo para mí es una especie de conciencia que no siempre es racional. Es ver más allá de lo que nos quieren mostrar, o incluso de lo que uno mismo puede entender a simple vista. Y las figuras humanas que aparecen mutadas, mezcladas con otros elementos, hablan de eso: de que somos cuerpos en transformación constante. 

No somos rígidos, no somos puros. Vivimos en mutaciones, en tensiones internas. Yo creo que lo monstruoso, lo que no encaja, dice mucho más de nosotros que cualquier forma idealizada. Son símbolos de ruptura, de desobediencia a las formas fijas que nos imponen.

-¿Cómo decidís qué técnica usar para cada obra?

-No lo pienso demasiado de manera racional. Cada obra me va pidiendo su propio lenguaje. A veces una idea necesita volumen, necesita cuerpo, y entonces la escultura o el objeto aparecen de forma casi inevitable. Otras veces todo se resuelve en el color, en una pincelada o en una mancha. 

Me dejo guiar mucho por lo que siento en ese momento, por el material que tengo a mano también porque trabajo bastante con materiales reciclados o encontrados. No es tanto una decisión técnica como una necesidad expresiva. La obra me va marcando el camino.

-En tu experiencia, ¿cómo se da el pasaje de la idea a la materia? ¿Tenés rituales o momentos clave en ese proceso?

-El pasaje de la idea a la materia es casi como una lucha. No hay algo suave ni ordenado en ese proceso. La idea llega, a veces de manera caótica, como una chispa que me consume, y es ahí cuando siento que la obra empieza a tomar control de mí. 

No tengo rituales tradicionales, pero sí momentos claves donde la obra se adueña del espacio. A veces empiezo con un material que encuentro, algo que me habla, y eso me lleva a pensar, a trastocar la idea inicial. No me interesa hacer algo hermoso o perfecto, me interesa que haya tensión, que haya algo crudo en lo que estoy creando. 

Hay algo en el caos del proceso, en la desestructuración, que es el verdadero ritual para mí. Todo fluye de una forma desordenada, pero es esa desorganización la que termina dándole vida a la pieza.

-Pasaste por la educación pública como docente. ¿Pensás que ese tiempo marcó tu forma de ver el arte y de estar en el mundo?

-Sí, y no siempre para bien. La educación pública me marcó en carne viva. Me mostró todo lo que se pierde cuando una estructura aplasta la curiosidad y la diferencia. 

Vi cómo chicos y chicas con un potencial enorme eran obligados a adaptarse o ser expulsados simbólicamente. Eso me dejó una herida y también una certeza: no quiero pertenecer a ningún sistema que premie la obediencia por encima de la sensibilidad. 

Mi forma de hacer arte y de estar en el mundo nace de esa incomodidad, de esa urgencia de no repetir el daño, de buscar siempre los bordes, los espacios donde todavía se puede respirar.

-¿Qué grietas encontraste en la educación pública que te llevaron a abandonarla? 

-Las grietas son muchas, y todas tienen que ver con la imposibilidad de pensar fuera de los márgenes impuestos. En la educación pública había una estructura tan rígida, tan conformista, que no permitía espacio para la experimentación genuina. Necesitaba un espacio donde se pudiera fallar, donde se pudiera crear sin miedo a ser juzgado por lo que no encaja en lo aceptable. 

En las aulas, las emociones y la creatividad eran vistas como secundarias frente a la disciplina y la norma. A mí me faltaba aire, me faltaba libertad. No podía quedarme en un lugar donde me pedían constantemente que me adaptara a algo que no representaba ni mi voz ni la de los estudiantes con los que trataba. 

La grieta más grande fue esa: el sistema, en vez de abrir puertas, las cerraba, y yo necesitaba salir. Llegó un momento en que para ser coherente conmigo misma tuve que salir de ese esquema y buscar otros modos de enseñar y de crear.

-¿Pensás que el arte en La Rioja está encontrando nuevas formas de expresión?

–En La Rioja el arte siempre tuvo que pelear contra una estructura muy cerrada, muy clientelista, donde si no respondías a ciertos nombres o circuitos, quedabas afuera. Hoy hay una necesidad de romper con todo eso. Hay artistas que no esperan ser legitimados por instituciones que hace años están oxidadas; directamente crean sus propios espacios, sus propias movidas. 

El arte real, el que incomoda, el que habla de lo que nos atraviesa de verdad, casi siempre nace por fuera de las instituciones. Lo que está cambiando no es tanto el apoyo que recibimos, porque sigue siendo mínimo; sino las ganas de no pedir permiso para hacer. Eso es lo más revolucionario que está pasando.

-¿Hay algo que el arte te haya permitido descubrir de vos misma que no habrías encontrado de otro modo?

-El arte me permitió encontrar una verdad que nunca me hubiera atrevido a mirar de frente. Es una forma de ir hacia lo más oscuro de uno mismo y de lo que nos rodea. Me mostró que la vulnerabilidad no es una debilidad, sino una fuerza. Y también me dio la oportunidad de descubrir que la creación no es algo solo estético, es un acto de supervivencia. 

A través de las piezas que hago he podido dar forma a pensamientos, a emociones, a heridas que, de no ser por el arte, habrían quedado atrapadas en un rincón de mi ser. El arte me enseñó a hablar con lo que no podía decir con palabras, y en ese proceso me encontré con una parte de mí misma que no sabía que existía.

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*Estudiante de la carrera de Periodismo y Producción de contenidos a distancia.

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“Neuquén me permitió desarrollarme como en ningún otro lado”. Con una carrera que comenzó en su infancia en Laboulaye, Córdoba, y que se enriqueció en Buenos Aires con maestros como Horacio Salgán y Dante Amicarelli; hoy encabeza proyectos que buscan difundir y enseñar el tango a nuevas generaciones en La Patagonia. Allí creó la Orquesta Escuela Provincial de Tango y se dedica a la formación de orquestas infanto-juveniles, seminarios y formaciones en alianza con instituciones culturales. 

Radicado en Neuquén desde 1987, Enrique Nicolás trabaja para que la música argentina siga viva. Es pianista, compositor, arreglador y un incansable promotor del tango: en agosto del 2022 recibió la distinción de la Academia Nacional del Tango por su labor. 

-¿Cuándo decidió volcarse de lleno a la difusión y enseñanza del tango?

-Siempre estuvo en mí la idea de transmitir la pasión por el tango, pero fue en Neuquén donde realmente pude concretarlo. La creación de la Orquesta Escuela Provincial de Tango en 2019 marcó un antes y un después. 

Me propuse dos objetivos claros: difundir el tango y enseñarlo de manera profesional. El tango necesita nuevos intérpretes, nuevas generaciones que le den continuidad, y eso solo se logra a través de la educación.

-¿Cómo percibe la respuesta de los niños y jóvenes a la música de tango?

-Cuando ponés pasión en lo que tocás no solo transmitís la música, también llega la energía de lo que estás tocando. En los conciertos didácticos que realizamos con la Orquesta Escuela es emocionante ver la respuesta de chicos de 8 o 9 años. Se sorprenden, se emocionan, y eso confirma que el tango sigue teniendo una fuerza enorme. Además, muchos de ellos encuentran en esta música una forma de expresarse que los conecta profundamente con su identidad cultural.

-¿Considera que el tango es un género complejo para enseñar?

-Sí, absolutamente. El tango es tan complejo como el jazz. Hay estructuras rítmicas, armónicas y melódicas que requieren formación sólida. Por eso insisto en enseñarlo de manera profesional y en generar espacios de formación constante. 

No basta con tocar las notas correctas; es imprescindible transmitir el carácter único de cada pieza, su atmósfera, su emotividad. Esa profundidad es la que hace del tango un desafío apasionante.

-¿Qué otras iniciativas lleva adelante para promover el tango en la región?

-En 2020 comenzamos con la formación de la Orquesta Infanto Juvenil de Tango de Villa La Angostura, dirigida a niños de entre 8 y 15 años. Los arreglos son propios, pensados para que los chicos puedan abordar el género de manera accesible pero rigurosa. Además, realizamos seminarios y encuentros formativos que fortalecen la experiencia. También trabajamos en alianzas con otras instituciones culturales para ampliar la llegada de nuestros programas y lograr que el tango vuelva a sonar en más escuelas y centros comunitarios.

-¿Cuáles fueron los principales escenarios donde se presentó la Orquesta Escuela Provincial de Tango?

-Realizamos una serie de conciertos en el Centro Cultural Alberdi durante 2022 y 2023, que tuvieron una excelente recepción. También fuimos invitados a tocar en Tecnópolis, donde la respuesta del público superó nuestras expectativas. Estos eventos son vitales para visibilizar el trabajo de los chicos y para mostrar que el tango está más vivo que nunca, incluso entre las nuevas generaciones.

La Orquesta que dirige Enrique Nicolás en Tecnópolis. 

-¿Cómo fue su llegada a Neuquén y su primer contacto con el ambiente musical de la provincia?

-Me radiqué en Neuquén en 1987 junto a mi familia. Al llegar, lo primero que hice fue integrarme a un grupo de jazz, el “Tri Quartet” junto a los hermanos Carlos y Mario Giménez. Con ellos tuvimos la suerte de compartir escenario con músicos como Ray Barreto y Carlos Franzetti. Paralelamente, comencé a acompañar a cantores de tango que llegaban a la provincia. Sin embargo, un punto de inflexión en mi carrera fue conocer a Rubén Juárez en el año 2000.

-¿Qué significó para usted la relación profesional y personal con Rubén Juárez?

-Fue una relación que cambió mi vida. A partir de ese primer encuentro se generó una amistad muy profunda. Me llevó a acompañarlo en distintos conciertos por el país y en una extensa gira europea. Además, tuve la posibilidad de ser su arreglador, lo que fue una experiencia enriquecedora tanto en lo artístico como en lo humano. 

Rubén tenía una visión muy particular del tango, una sensibilidad que sabía transmitir en cada presentación, y trabajar junto a él me enseñó la importancia de respetar la esencia de cada obra.

-¿Qué representa para usted Neuquén en su desarrollo personal y profesional?

–Neuquén me permitió desarrollarme como en ningún otro lado. Aquí encontré el espacio y las condiciones para crecer como músico, educador y promotor de nuestra música. Es una provincia que apuesta a la cultura y donde el público valora profundamente las propuestas artísticas. Cada proyecto que emprendo cuenta con una comunidad dispuesta a recibirlo y apoyarlo, y eso es invaluable.

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-¿Cuáles son sus proyectos a futuro?

-Hoy mi gran objetivo es difundir la música argentina en toda la provincia. Es fundamental mostrar la riqueza cultural que tenemos, formar nuevas generaciones de músicos y consolidar espacios donde el tango y otras expresiones tradicionales sigan vivas. 

También tengo en mente desarrollar materiales pedagógicos específicos para la enseñanza del tango en nivel inicial y medio, algo que considero urgente para garantizar la continuidad de nuestro legado musical.

-¿Qué mensaje le daría a los jóvenes que están comenzando en la música?

-Que trabajen con pasión y compromiso. Que busquen formarse, escuchar, aprender de los maestros y de sus compañeros. Y que entiendan que la música, como cualquier arte, es un camino de toda la vida, de crecimiento permanente. No hay atajos, pero cada esfuerzo tiene su recompensa: la posibilidad de tocar una fibra profunda en quien escucha, de comunicar algo que va más allá de las palabras.

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*Estudiante de la carrera de Periodismo y Producción de contenidos a distancia.

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